Profesional experimentado en doblaje audiovisual con 37 años de experiencia, encontró un nuevo propósito en el arte digital tras enfrentar una enfermedad. Su exploración en el fotomontaje digital se convirtió en una forma de expresión significativa y un medio para sanar. Su notable trabajo le valió el Premio Tresy3 en su cuarta edición, permitiéndole exponer su obra A contraluz del silencio (2018)
Por MÓNICA PUPO
En marzo de 2023, Salazar compartió su viaje en una entrevista realizada en la Universidad Central de Venezuela, en el marco de la exposición de la Bienal de Fotografía Mérida Imagina Caracas. Ahora, esta inspiradora conversación se presenta nuevamente para el distinguido lector de Papel Literario.
¿Podría contarme sobre su carrera, intereses y preocupaciones?
Fui productor audiovisual durante 37 años, especializado en el doblaje de contenido televisivo. Comencé mi carrera en Etcétera Group, una empresa venezolana, y desde allí, he trabajado en varios lugares, incluso en Miami. Mis intereses incluyen la pintura, el dibujo, el cine y tocar la guitarra. Me preocupa profundamente lo que sucede en nuestro país y en el mundo, especialmente las guerras y las amenazas de conflictos nucleares.
¿Cómo surgió su interés en la fotografía?
Mi infancia transcurrió en Judibana, un campo petrolero en Amuay. A pesar de las limitadas opciones culturales, encontré una librería que importaba material de Estados Unidos, incluyendo obras de reconocidos fotógrafos. Esto me inspiró a coleccionar revistas de fotografía y arte. Mi pasión por la fotografía surgió cuando intenté hacer un dibujo hiperrealista y necesité una referencia visual. Aprendí técnicas fotográficas de manera autodidacta a través de las revistas que coleccionaba. Mi padre poseía una cámara Nikon con la que comencé a tomar fotos. Posteriormente, armé mi propio laboratorio fotográfico y comencé a trabajar de manera analógica.
¿Cómo describiría su estilo?
Me encanta el surrealismo, lo onírico y lo intangible. Disfruto representando lo que trasciende lo existente. Este enfoque me remonta a mi infancia, cuando buscaba algo que escapaba a mi comprensión. Recuerdo que solía imaginar escenarios fantásticos, como estar reducido dentro de un jardín o una selva. Esta imaginación ha sido una constante en mi vida y me ha impulsado a innovar. Me atrae lo surreal para reinventar la realidad y siempre he estado seducido por la transición hacia lo desconocido. Creo que el surrealismo, definido por estas características, es lo que mejor describe mi obra.
Siendo un productor audiovisual especializado en doblaje, ¿cómo fue su transición hacia el arte digital?
Una experiencia cercana a la muerte por una enfermedad me llevó al arte digital. Sobreviví y consideré que esto debía tener un significado importante. Desde entonces, he estado buscando darle un propósito a todo. Durante mi recuperación, los medicamentos me hacían alucinar. Tuve experiencias profundas y me preguntaba cómo comunicarlas. A pesar de intentarlo con palabras, sentía que no era suficiente. Descubrí el arte digital a través de Photoshop. Me interesé en aprender más sobre arte contemporáneo y su integración con la fotografía y el dibujo.
¿Cómo le ayudó el arte a procesar y sanar las emociones durante su enfermedad?
Durante mi enfermedad, busqué en el arte una forma de recuperar mi autoestima y encontrar una forma significativa de expresión. Fue fascinante descubrir en el arte y la fotografía un medio para canalizar y sanar mis experiencias. El arte se convirtió en mi salvación y me permitió materializar mis ideas.
¿Cómo ve la influencia de la inteligencia artificial en su trabajo?
La inteligencia artificial es una herramienta fundamental en mi trabajo. La tecnología nos abre nuevos horizontes que pueden ser intimidantes o sorprendentes. Creo que es importante acoger todas las innovaciones. Me preocupa que la inteligencia artificial pueda adquirir autonomía y actuar sin regulación. Es crucial establecer una ética sólida en su implementación y respetar la autoría de los elementos. El derecho de autor se ve amenazado. Estamos en una fase de constantes reformulaciones, y eso es algo que valoro de la inteligencia artificial. Sin embargo, siempre considero que la inteligencia natural debe prevalecer y que las máquinas no deberían gobernarnos.
¿Has experimentado con los nuevos programas de inteligencia artificial?
No.
¿Podría describir su proceso de creación?
Hubo un momento en que mi cámara se averió, lo que me llevó a ser creativo con los recursos que tenía a mi disposición. Descubrí que podía crear imágenes desde cero utilizando mi computadora en casa. Un lienzo vacío, ya sea en blanco o en negro, se convirtió en un nuevo reto para mí. Como fotógrafo, siempre he buscado ir más allá del mero registro documental en mi trabajo. Mi objetivo es intervenir en mis imágenes, modificarlas y crear algo nuevo. Empecé experimentando con técnicas de fotomontaje y collage analógico, pero pronto descubrí las amplias posibilidades que ofrece la edición digital.
¿Qué artistas o fotógrafos han influido en su arte?
Entre mis principales influencias se encuentran Jerry Uelsmann, Storm Thorgerson, Joel Peter Witkin, Gilbert Garcin y Arthur Tress. Estos artistas y fotógrafos han dejado una huella en mi trabajo, ya que comparto su fascinación por lo irreal. Además de ellos, otros artistas que han influido en mi trabajo incluyen a Paul Delvaux, Joseph Cornell, Robert Rauschenberg, Dino Vals, Luz Letts, Jonas Burgert, Gary Epting, Robert Riggs, Leonora Carrington, Remedios Varo, Dave McKean y Roj Friberg.
¿Cuáles son los elementos claves para mantener la coherencia en los fotomontajes?
En mi trabajo, es esencial que mis montajes no se perciban como tales. Me enfoco en mantener la coherencia en términos de luz, sombras, tonalidades y proporciones. Me aseguro de que la fuente de luz sea coherente con la dirección de las sombras y que todo tenga una armonía visual. A pesar de que puede parecer que todo está inventado, me dedico a explorar nuevas formas de crear imágenes. Este proceso de creación me ha permitido experimentar un crecimiento personal y profesional.
¿Qué ha aprendido sobre sí mismo a través de su experiencia artística?
He descubierto mi creatividad y mi capacidad para adaptarme a diversas situaciones. A lo largo de mi carrera, he superado desafíos gracias a mi perseverancia y resiliencia. Prefiero que mis imágenes hablen por sí mismas. El arte me ha enseñado a descubrir mi fuerza interior. En momentos difíciles, he encontrado refugio en mi trabajo y en mi creatividad. Para mí, el arte es una forma de conectar con algo más grande y de encontrar un sentido en la vida.
¿Cuándo piensa que una obra está completa?
Considero que una obra está completa cuando la imagen me comunica algo, ya sea un susurro o un grito que indica las decisiones que debo tomar. A veces, es simplemente por agotamiento, ya que este tipo de trabajo requiere una atención detallada. A pesar de los desafíos, siempre termino cansado pero satisfecho. Mi proceso creativo sigue un patrón, pero permite la intervención del azar. A través de asociaciones inesperadas, descubro que algo inusual pero viable puede surgir. Es en ese momento que considero que la obra está completa.
¿Qué le llevó a utilizar principalmente el blanco y negro en sus fotomontajes?
La gama de grises tiene un atractivo especial para mí, ya que requiere que el espectador se involucre para comprender lo que se le presenta. No descarto el color, simplemente lo veo como una experiencia distinta. Hasta ahora, he optado por mantenerme en lo monocromático. Algunas de mis piezas están concebidas en blanco y negro, pero también tienen una versión en color.
¿Ha considerado hacer su arte accesible para todos o lo ha enfocado hacia un público específico?
No busco complacer a todos con mi arte. Mi enfoque es plasmar algo muy personal e íntimo que surge desde mi interior. Aunque me atrae lo oscuro, busco la luz y el significado de lo que está oculto en mi ser. Me interesa cómo los espectadores interpretan mi trabajo, más que su opinión al respecto. Me intriga conocer sus reacciones, ya sea de aceptación o rechazo. En general, he recibido más críticas positivas que negativas. Lo que me impulsa es comunicar y otorgar significado a lo que está oculto en mi interior.
¿Es esencial la presencia humana o animal en todas sus obras?
Siempre. A veces me pregunto por qué no dejó ese espacio sin la figura, pero siento que algo falta si no está. La presencia de la figura humana o animal es decisiva para la composición, establece una conexión con el espectador, proporciona perspectiva e incluso puede contar una historia.
¿Cómo ha cambiado su enfoque hacia el desnudo y la representación de la figura femenina en su obra a lo largo del tiempo?
Con el tiempo, me he dado cuenta de que el desnudo puede ser manipulador y reducir al cuerpo a un simple objeto. Por esta razón, trato de ser moderado con los desnudos en mis obras y evito abordar el tema de los niños. Considero que es un asunto delicado y prefiero no involucrarme en él.
¿Qué es la fotografía para usted?
Para mí la fotografía es una boca para mis gritos.
Comentarios del artista
103021 / © Asdrúbal Salazar S.
Utilizo un lápiz Wacom para dar vida a mis dibujos y me gusta segmentar al personaje para que luzca real. Las nubes son un elemento recurrente en mi trabajo. Me fascina el efecto de las luces barridas, ya que representan el paso del tiempo en una obra bidimensional. Al observar estos elementos, puedo percibir la duración de un tiempo determinado. En cuanto a los rostros, prefiero que sean ambiguos. Utilizo el filtro Motion Blur para crear efectos de barrido que simbolizan la temporalidad. El tiempo es un elemento crucial en mi obra.
080920 / Asdrúbal Salazar S.
A menudo incluyo cuadros dentro de cuadros en mi trabajo, una idea que siempre me ha fascinado. Mis obras suelen tener un ambiente nocturno, y en esta serie en particular, se crea una especie de escenario teatral. En esta serie, un ojo destaca mientras que el resto de las personas tienen los ojos vendados. Esto crea una interesante ambigüedad. También hay un personaje con una señalización, algo que surgió de manera azarosa. Agrego muchos detalles dibujados, ya que, para mí, la fotografía es una proyección del ojo y el espectador debe crear una experiencia a partir de la nada.
012322 © Asdrúbal Salazar S.
A veces, confino a las personas en un espacio similar a un búnker, un lugar desagradable y en ruinas. He capturado fotos de estas texturas y les he añadido perspectiva, lo que ha dado lugar a una serie que evoca la sensación de estar en un calabozo o sótano. Siempre hago referencia a la fotografía, ya que es una obsesión para mí. En esta serie en particular, la presencia constante de una cámara fotográfica es notable. En cuanto a los rayos de luz, es un tema audaz por mi parte, ya que implica jugar con lo metafísico y lo surreal.